Unter dem Titel „Offene Beziehungen“ konzipierten und realisierten wir drei Labore zwischen Theorie und Praxis im Brecht-Haus Berlin. Dabei ließen wir Asja Lācis’ Forderung nach kollektiver Zusammenarbeit und Selbsttätigkeit, nach Öffnung und Dynamisierung von institutionalisierten Räumen in die Gestaltung der Labore einfließen: Die konstruktivistische Gestaltung des Raums als (Probe-)Bühne, die Bewegung im Raum, die gemeinsame Textlektüre und eine Verschränkung von historischen und zeitgenössischen, künstlerischen und wissenschaftlichen Beiträgen sowie performativen und gestalterischen Elementen zwischen allen Teilnehmenden.

Das kollektive Opernprojekt „Wem gehört Lauratibor?“ versteht sich als Aktivismus: Es ist entstanden aus der Zusammenarbeit langjährig organisierter Bewohner*innen, Gewerbe und Initiativen im Reichenberger Kiez. Die Geschichte folgt den beiden Held*innen Laura und Tibor und ihren Gefährt*innen auf der Suche nach dem Elixier des Widerstands durch die Provinz Lauratibor. Politik und Wirtschaft werfen ihnen Steine in den Weg, das Kollektiv wird bedroht, prekäre Existenzen schließen sich der Reise an – bis schließlich der alles entscheidende Kampf gegen Maximilius Profitikus ansteht.

Ich habe den Sommer 2021 mit performativer Recherche zum Thema Liebe und Erschöpfung in der Galerie im Turm und ihrer direkten Umgebung verbracht. Dort habe ich mit Passant*innen und Besucher*innen Gespräche geführt und einen Fragebogen entwickelt, der Erschöpfung und Liebe feministisch fokussiert und während der Öffnungszeiten der Galerie ausgefüllt werden konnte. Die Gespräche und Antworten aus den Fragebögen sind das Ausgangsmaterial für die Performance „Verbindung im Aufbau“, die zur Finissage gezeigt wurde.

In dieser Zeit ebenfalls entstanden ist die Videoinstallation „Suits (me)“, in der ich die roten Overalls, die ich seit 2007 in meinen performativen Arbeiten benutze, übereinander ziehe, als Verbindung zu einem kollektiven Performer*innenkörper, der seitdem in diesen Anzügen immer wieder steckt.

Die Umsetzung meiner performativen Recherche im Berliner Wedding in fünf Filmsequenzen ist letzter Teil meiner Trilogie zur »Liebe in Zeiten des Kapitalismus«. Die Filminterviews arbeiten mit asynchronen Überlagerungen von Aufnahmen der Protagonist*innen heute und aus Pasolinis Film Comizi d’amore (1963). Ich spreche Pasolinis Fragen aus dem Off; die Teilnehmer*innen sprechen/spielen zunächst die Antworten aus dem Film mit, um sie anschließend mit ihren heutigen Liebes-Erfahrungen zu verbinden. In der Einzelausstellung »Love Meetings oder Liebe in Zeiten des Kapitalismus« in der Galerie Wedding habe ich in einer Installation die im Sommer 2019 entstandenen Szenen mit Protagonist*innen aus dem Berliner Stadtteil Wedding, Transkripte von Gesprächen in der Nachbarschaft, die Dokumentation einer performativen Intervention im Stadtraum sowie ausgewählte Kostüme und Bühnenelemente aus der Performance im HAU (2019) zusammengeführt.

The performative research in Wedding and the transformation of it into five film sequences is the final of three parts of my artistic works on »Love in Times of Capitalism«. These filmed interviews consist in asynchronous overlayering of statements on love by protagonists from Berliners today and those consulted by Pasolini in the 1960s. They first re-enact the historical answers, and then would answer personally and relate to their current experiences in capitalsm. The film sequences made in summer with protagonists from Wedding, selected costumes and stage elements from the performance at HAU (Berlin 2019) as well as documentation, and adaptations of conversations are brought together in the solo exhibition »Love Meetings or Love in Times of Capitalism«.

Liebe und Kapitalismus gelten als Gegensätze: romantisch-warm versus ökonomisch-kühl. Doch die beiden sind enge Verwandte. Die Liebe erklärt, sie betreffe alle–Everybody needs somebody to love–und sei jedes Mal einzigartig: Only you. Der Kapitalismus behauptet, wenn jede*r egoistisch ist, sei das gut für alle. In dem von mir und der Autorin Bini Adamczak initiierten Projekt arbeiten sich vier Performer*innen durch ein Spielfeld aus Lohnarbeit, Küche, Bett und Party.

Love and capitalism are considered opposites: romantic-warm versus economic-cool. But the two are closely related. Love claims to affect everybody – everybody needs somebody to love – and is unique every time: only you. Capitalism claims that if everybody was egotistical, that would be good for everyone: a society of individuation. The project “Everybody Needs Only You,” initiated by me and the author Bini Adamczak, looks into the relationship between exchanging love and trafficking in goods. Since it is cold outside, everybody is longing for the warmth inside, where there is not enough space. Four performers cover the playing field made up of wage work, kitchen, bed, and party. What kind of trade does romantic love conduct? And what does it actually feel like to live in capitalism?

Was ist das für ein Gefühl, im Kapitalismus zu leben? Und welcher Handel wird in der Liebe betrieben? Diesen Überlegungen ging ich im Sommer 2019 in einer an Pasolinis filmische Befragung angelehnten militanten Untersuchung nach, die zugleich eine Intervention in den öffentlichen Raum darstellte. Die Dérives durch die aktuelle und historische Liebeslandschaft des Wedding wurden fortlaufend in den Räumen der Galerie Wedding kartographiert und performativ verarbeitet.

KdW erzählt aus der Geschichte eines Jugendklubs, der in den 1980er Jahren das Leben einer Ostberliner Nachbarschaft prägte. Ein Schutzraum, in dem sich selbstorganisierte Initiativen entwickelten und unterschiedlichste Menschen zusammenkamen. Ich führte Gespräche mit ehemaligen Protagonist*innen und entwickelte ein Skript, in dem vier dokumentarisch inspirierte Positionen zu einem Gespräch zusammenfinden. Das Video zeigt vier junge Schauspieler*innen im Prozess der Aneignung des Textes von Personen, die in der erinnerten Zeit so alt waren wie sie heute. In diesem Vorgang (der Theaterprobe) wird das Dokumentarische zur Fiktion, die einzelne Person zur Figur.

Im Workshop geht es um die Gender- und Imagepolitik der Neuen Rechten in Europa. Wir betrachten Beispiele antifaschistischer künstlerischer Strategien und feministischer Interventionen und probieren performativ aus, neue Beziehungen und Konstellationen herzustellen. Die theoretischen und performativen Elemente des Workshops untersuchen das "faschistische Begehren" nach Familie, deren Idealbild an der Realität immer wieder scheitert, und suchen nach Antworten auf die Frage: Wie kann künstlerische Praxis und kulturelle Politik wirksam werden gegen die wachsenden faschistischen Tendenzen in Europa?

Queering Antifascism war Teil des Feminist Training Camp, einem viertägigen intensiven Workshop und Treffen feministischer Künstlerinnen aus ganz Europa, kuratiert und realisiert von der Gruppe No Play an der nGbK.

The workshop is about gender and image politics of the new right in Europe, shows examples of artistic strategies and feminist interventions against fascism, and tries out performative relocations and new constellations of our bodies.
Working with theoretical and performative elements, we ask for a "fascist desire" that is rooted in a romantic but ever failing idea of the holy family, and raise the urgent question: How can artistic practices and cultural politics be useful in resisting the growing fascist tendencies in Europe?

Queering Antifascism was part of Feminist Training Camp, a 4-day-long intense workshop and meeting with 20 feminist artists from all over Europe, organized and curated by the group No Play at nGbK.

Die Workshops “Von der Arbeit zum Tun” behandelten die Fragen: Wie sehen Arbeitskämpfe heute aus? Was kann Kunst dazu beitragen? Was macht Kunst sichtbar, was setzt sie frei? Und wie und nach welchen Parametern und Kriterien arbeitet Kunst selber? Beginnend mit dem Beispiel meiner Zusammenarbeit mit einer Gruppe organisierter Domestic Worker (Triumph der Hausarbeiterinnen), diskutierten wir die Möglichkeiten und Grenzen künstlerischer Arbeit in Kooperation mit sozialen Bewegungen. Mit Bezugnahme auf die Prämissen und Praxis der sowjetischen Avantgarde und anderer Beispiele der Zusammenarbeit zwischen Künstlern und Arbeiterinnen, wurden aktuelle Konflikte und die künstlerische Praxis der Teilnehmenden verhandelt, die größtenteils junge Künstlerinnen und/oder Aktivisten waren. Was könnten die (gemeinsamen und unterschiedlichen) Interessen solcher Kollaborationen sein? Welche Versprechen beinhalten sie? Mit welchen Methoden können wir arbeiten? Und über welche Fallen und Gefahren sollten wir Bescheid wissen, wenn wir uns entscheiden, Teil einer solchen Praxis zu werden? Wir bewegten uns mit performativen Übungen durch den Raum und diskutierten. Auf großformatigen Plakaten sammelten wir Werkzeuge und Methoden zur Zusammenarbeit, stellten Hypothesen und zeichneten Diagramme.

The workshops “From Labour to Doing” focussed on the questions: How do workers' struggles look like today? Can art contribute to them? What can art set free and make visible? And how and by which criteria works art itself? Starting with the example of my artistic collaboration with a group of organized domestic workers (Triumph der Hausarbeiterinnen), we discussed the possibilities and limits of artistic practice in cooperation with social movements. Referring to the working practices of the soviet Avant Garde and other examples of militant cooperations between artists and workers, the workshop then had a closer look at and an exchange about actual struggles and the artistic practices of the participants, who were mainly young artists and/or activists. What might be the (shared and different) interests of such collaborations? What are the promises? The methods? And what traps and dangers should we be aware of if we decide to be part of that practices? Moving through the room with performative exercises and discussing, we collected tools of collaboration and took notes, created hypothesis and diagrams on wallpapers.

The workshop took place during 5 days at the former textile factory Bolsheviczca in the outskirts of Riga, where a part of the exhibition Survival Kit was shown. Beginning with a collective reading of texts by Walter Banjamin, Asja Lācis and Sergei Tretyakov, the group developed a performance. Central to this workshop, which adressed artists from visual and performing arts, was a common research for points of reference in the avant garde times – a silenced and often ignored period in the artistical and intellectual discourse in Latvia. Inspired by Tretyakov's “Biography of the Object”, we created a performative work that included the artistic biographies of the participants.

In meiner Untersuchung von staatlicher, privatwirtschaftlicher und persönlicher Reproduktionspolitik habe ich sieben Frauen gebeten, sich performativ in Beziehung zu der Hauptfigur Milda aus Sergej Tretjakows Theaterstück "Ich will ein Kind haben" (Sowjetunion 1926) zu setzen. Die performative Recherche führte in einer intensiven Probenarbeit mit den Expertinnen zu fünf ungeschnittenen Videosequenzen, auf denen alle Frauen in dem selben futuristischen Anzug/Blaumann agieren. Die Videos werden begleitet von dramatisierten Fragmenten aus Interviews, die als Teil der Probenarbeit geführt wurden, und die auf der Rückseite der Monitore zu hören sind.
So fern der Futurismus der sowjetischen Avantgarde heute scheint, seine Vision einer autonomen Frau, die die Erziehung der Kinder einem größeren Kollektiv überträgt, ist auch im Postfordismus noch attraktiv.

In my exploration of reproductive politics and how they play out on a personal levelI, I asked seven women – all experts in the field of reproduction – to relate to Milda, the main character of Sergei Tretyakov's play "I want a baby" (USSR, 1926) by rehearsing scenes and biomechanical gestures. This intense performative research process led to five uncut sequences where five women perform in the same blue dress, addressing and questioning the past future of the avant-garde. The video work is accompanied by audio files with dramatized monologues and dialogues which part from the rehearsal interviews.
As impossible as the reproductive futurism of the Soviet avant-garde might seem, its vision of an autonomous woman delegating the function of childcare to the larger collective still seems strangely salient, even in a very different age of post-Fordist reproduction and its neoliberal dreams.

Zwei Performer*innen halten einen Vortrag über Zombies, mit Filmausschnitten und praktischen Beispielen für den Ernstfall einer Zombie-Apokalypse. Während an der Oberfläche eloquente Diskurse gezimmert werden, wird das Verhältnis der beiden zueinander immer drastischer. Dem Versuch der Rationalisierung durch Theorie(n) wirkt eine mächtige Struktur aus Verdrängung, Abwertung und Angst entgegen. Der Abend gipfelt im finalen Angriff der Zombies auf den misslingenden Vortrag.

Die Stückentwicklung sale beschäftigt sich mit dem individuellen Kinderwunsch und seiner Befriedigung in einer globalisierten Welt: Fertigung und Vertrieb von Kindern als Ware. Künstliche Befruchtungen in Spanien, Eispenden aus den USA, Leihmütter aus Indien und Adoptionen aus Rumänien sind Stationen auf dem (neo)liberalen Weg zum „eigenen“ Kind. Aus der Recherche zu diesem Thema ist ein Text entstanden über die Möglichkeiten und Grenzen künstlicher Fortpflanzung, über unsere Begierden im globalen Strom der Waren und des Kapitals.

In SergejTretjakows Stück Ich will ein Kind haben (Sowjetunion 1926) probiert die Kulturfunktionärin Milda eine Gleichsetzung von Produktion und Reproduktion. Zur Erfüllung ihres Kinderwunsches benötigt sie einen „Produzenten“, den sie nach genetischen und klassenkämpferischen Gesichtspunkten aussucht. Milda vereint in sich ein subjektives und ein gesellschaftliches Begehren: Die Geburt des neuen Menschen.

Die Montage von Ich will ein Kind haben und sale setzt zwei gegensätzliche Konzepte von Kinderwunsch in ein Verhältnis. Adoption, Kinderproduktion, Neuer Mensch, In-Vitro-Fertilisation – das Kind erscheint als frei (ver-)handelbares Objekt im Raum der Ideologie, der Technik und Wissenschaft, des Konsums und der symbolischen Macht.

Zwei alte Kommunisten sitzen in ihren Wohnungen. Sie in einem Plattenbau an der Berliner Karl-Marx-Allee. Er in seinem Eigenheim am Rand einer westdeutschen Industriestadt. Ihre gegensätzlichen Biographien, Erfahrungen und Ansichten von Utopien und Ideologien sind der Ausgangspunkt für unsere Auseinandersetzung mit dem Kommunismus. Von heute bewegt sich die Performance in die Vergangenheit von Utopien und ihr multiples Scheitern. Ins Abseits überholter Diskurse. Aber auch hin zu einer "Rekonstruktion der Zukunft" (Adamczak) – oder einem "Try again, fail better" (Beckett/Zizek).

Am 28. März 2010 demonstrierten Domestic Worker im Zentrum Madrids für Arbeits- und Aufenthaltsrechte. Die Frauen von "Territorio Doméstico", einer Plattform aus organisierten Domestic Workern, Einzelpersonen und Aktivistinnen, rollten diesen Wagen durch die Straßen. Er war Bühnenbild für mehrere Szenen einer Agit-Prop-Performance, die im Rahmen der Demonstration aufgeführt wurde: "Latifas Geschichte", "Sans Papiers in Europe" und "Verhaftet" – Szenen, in denen Domestic Worker von Unterdrückung und Widerstand in ihrem Alltag berichten. Die Installation war Teil der Ausstellung Das Potosí-Prinzip, die in Madrid (Museum Reina Sofía), Berlin (Haus der Kulturen der Welt) und La Paz (Museo Nacional de Arte) gezeigt wurde.

Triumph of the Domestic Workers
On March 28, 2010, domestic workers demonstrated in downtown Madrid for labor rights and rights of residence. The women of Territorio Doméstico, a platform of organized domestic workers, individuals, and activists, wheeled this wagon through the streets. It was a stage set for several scenes of an agitprop performance staged within the frame of the demonstration: “Latifa’s Story,” “Sans Papiers in Europe,” and “Arrested”—scenes in which domestic workers give an account of oppression and resistance in their daily lives. The installation was part oft the exhibition The Potosí Principle which was shown in Madrid (Reina Sofía Museum), Berlin (Haus der Kulturen der Welt) and La Paz (Museo Nacional de Arte).

Triunfo de las Domésticas Activas
El 28 de marzo de 2010 tuvo lugar en el centro de Madrid una manifestación de empleadas domésticas con el objetivo de reivindicar sus derechos laborales y de residencia. Las mujeres de "Territorio Doméstico", una plataforma de organizaciones de empleadas domésticas, acompañadas de personas independientes y activistas, llevaron este cuadro sobre ruedas por las calles. El cuadro sirvió de decorado para varias escenas de una performance agit prop que formaba parte de la manifestación - "La historia de Latifa", "Europa, sin papeles" y "Detenida"- y en las que las trabajadoras domésticas hablaron de opresión y resistencia en sus vidas diarias. La instalación fue parte de la exposición El Principio Potosí que se exhibió en Madrid (Museo Reina Sofía), Berlín (Haus der Kulturen der Welt) y La Paz (Museo Nacional de Arte).

In Rick's Café Americain/dem Hotel Sahara kreuzen sich die Migrationsrouten vergangener Jahrhunderte mit denen von heute. Die Kneipe des Auswanderungshafens und der Wartesaal nach Europa. Basierend auf Dokumenten und Literatur zum Thema Migration fragt dieser Theaterabend unter anderem: Wer geht weg und warum? Welche Grenzen sind wir bereit zu überschreiten? Zu welchen Bedingungen? Warum lässt sich niemand abbringen von der Suche nach einem guten Leben? Warum ist die Ferne attraktiv, aber das Fremde bedrohlich? Mannheimer Geschichten werden in die globalisierte Umlaufbahn katapultiert. Und umgekehrt. Dazu spielt Sam As time goes bye ...

"Im Bezirk der Glückseligkeit darf Form sein und darf der Spieltrieb gebieten." Auf dem SCHILLERSPIELPLATZ pokern Tell, Stuart, Moor und Schiller mit Begriffen wie Kunst, Spiel, Schönheit und Nutzen. Sie nehmen die Zuschauer_innen mit durch die wunderbaren Windungen des Hirns von Friedrich S. Der Weg führt über verschiedene Spielfelder und Aufgaben. Wer sich nicht abzocken lässt, gewinnt die Freiheit. Aber funktioniert das eigentlich, was Schiller behauptet: Durch das Spiel zur Freiheit gelangen? Ziehen Sie die erste Karte und gehen Sie über LOS. Mit Florian Loycke, Bernhard Wadle-Rohe, Maike Lex, Konstanze Schmitt

Dar a cara bedeutet Gesicht zeigen, Zähne zeigen, aber auch: den Kopf hinhalten. Die Ausstellung zeigt Fotografien von Frauen, die als Angestellte im Dienstleistungsbereich arbeiten – auf der Arbeit und anderswo. Was bedeutet überhaupt Arbeit, was bedeutet Dienstleistung? Ist das ein typischer Frauensektor? Macht es einen Unterschied, als Frau oder als Mann zu arbeiten? Und hört die Dienstleistung auf, wenn Feierabend ist? Diesen und anderen Fragen bin ich in Gesprächen mit den 12 porträtierten Frauen nachgegangen.

Dar a cara means to show teeth, but also to take the rap/blame. The exhibition shows women who work in the service sector - in their working places and elsewhere. What means labour (work), what means service? Is this a feminized sector? Does it make a difference to work as a man or a woman? And does service end when you finish your shift? I investigated these and other questions in talks with the 12 portrayed women.

Hamlet ist kein Subjekt, sondern eine Generation. Polonius ist kein Subjekt, sondern eine Funktion. Claudius ist kein Subjekt, sondern eine Ideologie. Gertrud ist autoritär. Und Ophelia gibt hier bestimmt nicht das Opfer ... Mitwirkende sind Schauspieler:innen des TiG7-Ensembles, Nachbarinnen, Freunde und Zufallsbekanntschaften. In der mobilen Performance verknüpft sich Hamlet mit alltäglichen Orten, konkreten Personen, intimen und politischen Geschichten. Er wird ins Kreuzverhör genommen, auf die Couch gelegt und geklont.

Was ist eine Revolution? Mit was beginnt eine Revolution? (Wie) Geht sie weiter? Was ist/wäre deine Revolution? Welche Frau/en ist/sind für dich Revolutionärin/nen? Warum? Hast du schon etwas Revolutionäres erlebt? Machst du selbst etwas Revolutionäres oder hast du schon etwas Revolutionäres gemacht? - Mit dieser Umfrage begann die Arbeit an dem Projekt, dessen Protagonistinnen die Bewohnerinnen des Stadtviertels und dessen Bühnen Kiosk, Solarium, Hinterhof und die Straße sind.